Jeremy Hunt, Segretario di Stato per la Cultura, le Olimpiadi, i Media e lo Sport nel Regno Unito, ha dichiarato: “La Cina è oggi la seconda maggiore economia mondiale e un partner commerciale fondamentale per il Governo britannico. Lo UK China Animation Forum è per le aziende inglesi la possibilità di generare nuove e vantaggiose partnership, e nuove fonti di guadagno attraverso la conoscenza da vicino e l’esperienza delle opportunità offerte dalla Cina. Vogliamo imparare dai risultati, perché questa diventi una delle tante collaborazioni creative tra Cina e Regno Unito”.

Se quello inglese è un mercato leader nell’animazione, l’industria cinese, in rapida espansione, non è da meno con una dimensione di mercato di circa 2 miliardi di sterline.

Il produttore del Forum Mark Leaver ha commentato: “Lo UK China Animation Forum darà alle compagnie inglesi più ambiziose un accesso senza precedenti a clienti e collaboratori chiave nel settore dell’animazione cinese. Ci sono sfide significative per tutte le società britanniche che entreranno in Cina, ma questo evento offre ai partecipanti l’immediata visione d’insieme del mercato e collegamenti diretti con tutti quello che bisogna conoscere, in un solo luogo e in un unico giorno”.

Il forum è stato organizzato dallo UK Trade & Investment, col supporto del Dipartimento delle Industrie Culturali del Ministero della Cultura cinese e del Dipartimento della Cultura, i Media e lo Sport inglese.

Naman Ramachandran

Fonte: Cineuropa – il sito del cinema europeo

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But wait, let the story unfold,

Once upon a time they sailed,

On waters where calm prevailed,

Ready as ever they foresaw a tempest,

But the waters calm, no sign of unrest.

Months passed but the waters blue,

Where was the tempest? They had no clue.

Sailors drank and smoked and played,

All but merry together they stayed.

They blamed the devil, the demon, the mermaid,

Not one thankful on being spared.

The coast was still quite afar, when once at a rather late hour,

A remarkably loud splash was heard,

The bunkers, the cabins and the deck were stirred.

There were sailors here and sailors there.

Sailors sailors everywhere.

All were there but one was missed.

“Where’s the captain?” the oldest sailor hissed.

In his cabin a note was found,

The sea was stiller than the ground.

“The sea was quiet, it did not jest,

But you desired it, so here’s your tempest!”

The dear sea shone for it was gold,

Sadly the sailors had been otherwise told.

Pratishtha Kulshreshtha

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L’artista sembra soffrire di una sindrome da personalità multipla dove, di volta in volta, riveste i panni di svariate figure dedite al campo delle arti figurative.

Nato a San Francisco nel 1967, inizia la sua carriera nel mondo dell’arte con alcune performance intitolate Drawing restraint dove, tramite l’ausilio di corde che impediscono un azione fluida, Barney si trova a dover tracciare alcuni segni su supporti. Con questi primi lavori sembra che obiettivo peculiare dell’artista sia quello di confezionare un prodotto finito; questo,mantiene ancora il sapore del disegno, anche se, ovviamente, sono le modalità tramite le quali è stato realizzato a renderlo estremamente attuale e non anacronistico. Le condizioni della creazione sono accuratamente riprese dall’artista tramite videocamera; intravediamo fin dai primi lavori l’ausilio di nuove tecnologie, utilizzate qui per documentare l’azione, ma che saranno  fondamentali nei lavori successivi. In questi lavori, il supporto video serve per documentare l’evento che, tendenzialmente, si svolge senza pubblico, ed è chiamata in causa in quanto testimone oculare di tale avvenimento, conferendo in questo modo maggiore energia e potenza al prodotto finito ovvero al disegno.

Nei lavori successivi, invece, come la saga di Cremaster testimonia, il supporto tecnologico viene utilizzato per riprendere le varie scene e non si pone in funzione di prodotti finiti ma ciò che si imprimerà su pellicola sarà esso stesso prodotto finito, e quindi artistico.

Con Cremaster Cycle (1994-2002) Barney raggiunge un certo grado di notorietà. Il ciclo si presenta come una sorta di rappresentazione enciclopedico-simbolica girata interamente su pellicola ad alta definizione da 35 mm per una durata totale di 300 minuti. Tra le tematiche principali, quella del corpo, evidente fin dal titolo (tradotto in italiano in cremastere, muscolo dei testicoli). Nonostante l’assenza di elementi narrativi, assenza rafforzata anche dalla quasi totale mancanza di dialoghi e dalla non linearità cronologica degli episodi, si possono scorgere in ogni caso dei leitmotiv. Primeggia fra tutti il tema della differenziazione sessuale dell’embrione umano ma anche la mutazione corporale e Post-Human dei vari personaggio: bellissima la sequenza di Cremaster 3, girata al Guggenheim di New York, che vede come protagonisti l’artista e  l’attrice-atleta Amièe Mullin (la quale costituisce il perfetto doppio di Barney) senza gambe fin dall’infanzia, è munita di un paio di protesi di cristallo che, nonostante generino un equilibrio più che mai precario, le conferiscono un’ eleganza tale da porla a metà strada tra il fiabesco e l’inquietante. Sicuramente la rendono qualcosa di post- umano. Anche solo guardando questa breve scena si possono scorgere alcuni elementi rilevanti nella ricerca artistica dell’artista, come ad esempio la messa in discussione del  genere sessuale e dell’identità, ma anche la mutazione fisica e la precarietà; quest’ultimo elemento presente fin dai primi lavori nei quali era l’artista a dover lavorare in condizioni precarie. Questi sono solo alcuni elementi che si possono trovare nella sua opera. Analizzarli tutti in questa sede sarebbe pressoché impossibile. Le immagini riescono in ogni caso a mantenere un appeal straordinario e possono essere guardate anche senza possedere nozioni troppo specifiche cioè  si prestano ad essere fruite anche ad un livello più “passivo”.

In ogni caso, queste splendide immagini convivono con colonne sonore estremamente studiate che rafforzano il ritmo dell’opera; il legame tra colonna sonora ed immagine sarà indagato meglio con Drawing restraint 9. Altro elemento fondamentale è la danza, ma troviamo anche l’architettura, la mitologia, l’attività sportiva, la medicina, la sperimentazione scientifica, la citazione, la simbologia e la violenza. Anche la tematica citazionista è particolarmente rilevante: Barney cita sia alcuni generi di film quali ad esempio gangster, videogioco, mitologico. È quindi una pellicola che riflette anche sul cinema, e riflettendo su stessa specula sui modi di rappresentazione dell’immagine.

Altre citazioni sono però riprese anche dal’arte, infatti, coinvolto nella parte finale di Cremaster3 ci sarà anche Richard Serra il quale riproporrà una sua performance degli anni ’60 che sarà però “aggiornata” al contemporaneo. Inoltre, come non poter scorgere elementi di tangenza anche con il quadro di Khnopff la sfinge quando Amièe Mullin dopo l’abbraccio con Barney si trasforma in un’aggressiva donna leopardo.

Elemento unificatore del tutto è l’artista che, di volta in volta, riesce a far convivere linguaggi diversi ripresi dai più svariati ambiti. La parola arte o prodotto artistico dev’essere ripresa in questo caso non in senso stretto, ma in senso lato. La nuova arte è all’insegna della multidisciplinarità e dei nuovi supporti. Non si accontenta più di rimanere ancorata a vecchie categorie semantiche. L’invasione di campo è stata ormai realizzata.

Forse proprio a partire da Cremaster che Barney tenta di realizzare l’idea di arte totale tanto auspicata dalle avanguardie storiche. Probabilmente ancora più riuscita nel suo ultimo lavoro: Drawing Restraint 9, realizzato in collaborazione della compagna Björk. Quest’ultima sarà protagonista assieme a Barney della pellicole e si occuperà anche della colonna sonora. Interessante la riflessione che fa scaturire una delle ultime scene. Questa, vede implicata la coppia in un unione che si può definire sessuale, spirituale e complementare: i due, tramite gesti che si possono ricollegare ad una certa ritualità, si squartano vicendevolmente le carni fino alla costituzione di un ibrido a metà strada tra l’umano e l’animale; l’essere maschile e femminile si ritrovano qui riuniti per la creazione di un nuovo essere perfetto. Questa riflessione sulla complementarietà dei due generi è realizzata non solo a livello filmico, ma anche reale, grazie alla vera collaborazione della musicista per la composizione musicale. La lettura, in questo caso, è doppia: sia interna alla pellicola, quindi sul piano della finzione, sia all’esterno quindi sul piano della realtà. Il cerchio si chiude!

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Un vecchio detto recita “che quando nascono sono tutti belli, quando si sposano tutti ricchi e quando muoiono sono tutti bravi e buoni”

Ora, per andare alla fine bisognerebbe scrivere il suo epitaffio, cioè l’iscrizione che andrebbe sopra il suo sepolcro. O magari un’orazione funebre..

Gli epitaffi funebri quasi sempre enumerano i grandi risultati ottenuti, e la sua filmografia potrebbe bastare.

Chissà se gli farebbe piacere, se si arrabbierebbe.

Magari avrebbe preferito uno come quello di Walter Chiari :”Amici non piangete, è soltanto sonno arretrato”. Chi può saperlo.

Un uomo non è il suo lavoro, sono due cose distinte.

Il suo lavoro lo conosciamo tutti, ma lui?

Lui si è buttato dal quarto piano di un ospedale, di sera, pioveva, se ne stava lì a 95 anni con un tumore alla prostata e probabilmente anche da qualche altra parte, i medici lo avranno visitato, gli avranno detto qualcosa. Tutto si azzera, tutti gli altri fanno le loro cose, in strada  le auto passano, le televisioni dentro le case sono accese e tu sei lì.

Cosa vuoi dire a uno di 95 anni? Che adesso con le nuove terapie si sono fatti passi da gigante e che sarebbe guarito? Che avrebbe fatto un altro film?

Si sarà appartato, avrà pensato un po’, o forse no. I corridoi di un ospedale.

E’ anche una questione di dignità. E lui lo aveva già detto molto tempo fa, non sempre la vita merita di essere vissuta se non c’è una sufficiente dignità.

La dignità della salute, del lavoro, degli affetti.

Ci vuole coraggio per buttarsi dall’ospedale e anche a passare qualche mese su un letto con  tubicini di vario genere per quello che entra e quello che esce. Quale dei due?

E poi la supercazzola è più facile dirla come battuta in un film che dal vero, in quel posto poi.

Non credo abbia pensato alla sua filmografia.

Già la filmografia… è troppo lunga, decine di titoli che tutti conoscono e di personaggi ormai entrati nella memoria comune. Si può dire che sia stato uno dei pochissimi autori che ha messo d’accordo il pubblico e la critica. Non è da poco.

Il primo film è del 1949 e si intitola” Al diavolo la celebrità”.

Come se fosse antani anche per lei soltanto in due, oppure in quattro anche scribài con cofandina? Come antifurto, per esempio.

Naturalmente con la supercazzola con scappellamento a sinistra…o a destra.

Luciano Zaccaria

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XXX Edizione

20 – 28 agosto
Teatro Eleonora Duse
Asolo (TV) – Italia

È on-line sul sitowww.asolofilmfestival.it il bando di concorso per la XXX Edizione di AsoloArtFilmFestival, che si svolgerà ad Asolo dal 20 al 28 agosto 2011.

Il concorso si articola in sette sezioni:

o   FILM SULL’ARTE per opere dedicate all’arte in tutte le sue forme;

o   BIOGRAFIE D’ARTISTA per lavori di ricostruzione storica e interpretazione critica dedicati all’arte in tutte le sue forme;

o   FILM SULL’ARCHITETTURA per lavori dedicati a storia, movimenti, protagonisti opere e progetti appartenenti al mondo dell’architettura e dell’urbanistica;

o   FILM SUL DESIGN per lavori dedicati a storia, movimenti, protagonisti opere e progetti appartenenti al mondo del design;

o   VIDEOARTE e COMPUTER ART per opere connesse all’utilizzo di tecnologie tradizionali, elettroniche o informatiche come strumento di espressione artistica;

o   PRODUZIONI DI SCUOLE DI CINEMA per lavori relativi all’arte in tutte le sue forme, realizzati da Scuole di Cinema, Istituti Superiori Specializzati e Università;

o   ARMONIA E TERRITORIO per opere che documentano lo sviluppo armonico del territorio e le sue contraddizioni, valorizzandone potenzialità e risorse nel rispetto della cultura e dell’ambiente.

Al concorso possono partecipare solo opere realizzate dopo l’1 gennaio 2009 e l’invio del materiale deve essere effettuato entro il 15 maggio 2011.

Il download dell’entry-form è possibile al link:

http://www.asolofilmfestival.it/wp-content/uploads/2010/11/Bando-di-concorso-AAFF-2011.pdf

Informazioni:

AsoloInternationalArtFestival
Foresto Vecchio, 8 – 31011 Asolo (TV) Italy

Tel.+ 39 0423 1995235/36
Web: www.asolofilmfestival.it

Email: asolofilmfestival@aiaf.net oppure info@aiaf.net

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Non dimenticarò mai quel torrido giorno d’agosto quando un alto funzionario nel Segretariato del Parlamento di New Delhi mi informò della prevista visita del Signor Presidente alla nostra beneamata sede del Parlamento. Avrebbe dovuto essere veramente emozionante e tuttavia non lo sentivo del tutto. Questo perchè era ancora agosto e la visita era programmata per novembre o probabilmente anche perchè non potevo capire veramente quanto importante fosse.”Perchè viene sempre data così tanta attenzione all’America?”, pensai. E allora che importa se il Presidente è il primo afro-americano a ricoprire l’incarico, un cristiano che aveva un padre che “ricevette un’educazione musulmana”. Comprendo che tutti questi fatti possano essere stati particolarmente interessanti per un europeo o un americano, ma per un indiano tali caratteristiche non sono niente, non provocano un TERREMOTO!

Sono nata in India, un Paese con la settima più ampia area geografica, il secondo Paese più popoloso con oltre 1.18 miliardi di persone, e decisamente la più  popolata democrazia del mondo!!! Quattro delle più grandi religioni del mondo sono nate qui e noi abbiamo una diversità culturale, religiosa e linguistica che è unica nel mondo. Noi comprendiamo e combattiamo il multiculturalismo ad ogni passo nelle nostre vite. Mostriamo al mondo il significato della frase”Unità nella Diversità”. Per questo un afro-americano, mezzo musulmano, non è in grado di suscitare troppa della mia curiosità.

La sicurezza fu organizzata a dovere. Ciascuno sapeva esattamente come pronunciare “Michelle”(che gli indiani normalmente pronuncerebbero “micel”!). Ogni cosa venne discussa in riferimento all’otto di novembre, il giorno della visita del Signor Presidente. Essendo nel cuore del centro politico del Paese, mi venne di fatto chiesto di contribuire nell’organizzazione. Cercai di tirarmi indietro ma dovetti piegarmi di fronte ai desideri dei miei superiori nel Parlamento ed infine fui impegnata nell’organizzazione della visita che venne gestita dal”Dipartimento del Congresso” del Parlamento.

Fin dalle prime ore con loro capii quanto ancora c’era da fare, e come ad essere in ballo fosse l’orgoglio del mio Paese. Così, iniziai a dedicarmi con impegno totale. E’ stato motivo di immenso piacere e orgoglio lavorare al fianco di funzionari così alti in carica. Ho amato veramente il mio lavoro, sia nel decidere quale sari presentare alla First Lady, Michelle Obama, sia nell’apportare modifiche al discorso di benvenuto del Presidente del Lok Sabha. Abbiamo selezionato gli inviti per tutti i dignitari e Membri del Parlmento, deciso l’assegnazione dei posti a sedere per la più attesa serata e lavorato anche nei fine settimana!!!

Dovrei altresì informare i miei lettori che il giorno dell’arrivo del Signor Obama non fu un giorno qualunque, fu un giorno veramente speciale per tutti gli Indù e per la maggior parte degli Indiani. Era la più grande festa Indù: DIWALI, la Festa delle Luci! Ed io fui costretta a lavorare perfino a discapito delle festività.

Ebbene, il gran giorno arrivò. Il discorso del Signor Presidente venne fissato per la sera alle ore 17:30. Ogni cosa era pronta dalle 3 del pomeriggio. La maggior parte dei Membri era seduta dalle quattro (questa è una rarità in India, dove la puntualità non è la più importante delle virtù, un po’come in Italia!). Fui abbastanza fortunata da sedermi vicino ad alcuni dei più prominenti Ministri dello Stato. Me ne stavo ad ascoltare a fondo i loro esilaranti commenti, quando improvvisamente tutti zittirono e l’arrivo del Signor Obama fu annunciato in un indù veramente impressionante. Il discorso di benvenuto del nostro Vice Ministro fu bello e breve.Tutti erano molto ansiosi di sentire il rappresentante di Zio Sam!!! Egli venne, vide ed io dovetti ammettere che già alla fine del suo discorso aveva CONQUISTATO TUTTI! Il discorso venne trasmesso con tale abile facilità che sembrava l’avesse memorizzato. Sebbene noi sapessimo che avesse tele-suggeritori al suo servizio, Le sue capacità oratorie furono così impeccabilmente fantastiche che mi ritrovai a sciogliermi per il suo potente linguaggio.

Era giunto fin qui ad impressionare gli Indiani, a prometterci che “I sicuri rifugi dei terroristi entro i loro confini (pakistani) sono inaccettabili e i terroristi dietro gli attacchi di Mumbai devono essere consegnati alla giustizia” e che lui “auspica l’avvento di un riformato Consiglio di Sicurezza delle Nazioni Unite che includa l’India in qualità di membro permanente”; e di creare alcune possibilità di lavoro per i suoi conterranei attraverso la collaborazione tra Stati Uniti e India. Tutto molto ben recepito. Il Signor Barack Obama ha toccato il cuore degli Indiani e non dimenticate che non è facile impressionare i miei conterranei indiani. Il discorso è stato così ben confezionato e svolto con tale completa sincerità che non credergli NON era possibile.

Un altro elemento saliente del discorso del Signor Presidente è stato l’uso di molte parole indù. La sua pronuncia poteva non essere perfetta ma dal modo in cui diceva quelle parole era chiaro che si era preparato a fondo. Il mio Paese non ha sempre seguito una politica pro-americana. Infatti, alcuni decenni fa, avevamo relazioni senza speranza con i presidenti americani ed essendo grandemente influenzati dall’allora Unione Sovietica, stavamo seguendo il sentiero socialista. La globalizzazione era vista come un male da essere evitato ad ogni costo. Fu un lungimirante Primo Ministro a comprendere  la necessità di stringere la mano all’Ovest al fine di sviluppare gli estesi villaggi indiani. Fu Rajiv Gandhi, figlio di Indira Gandhi che fu figlia di Jawaharlal Nehru. Dovrò spezzare i vostri cuori nel raccontarvi che la famiglia Gandhi della politica indiana ancora al potere non è imparentata col Mahatma Gandhi! Nehru fu un grande seguace del Mahatma (che significa”grande anima”) e, per un gioco del destino, sua figlia Indira scelse di sposarsi con un giovane chiamato Feroz Gandi. In seguito lo cambiarono per accordarlo all’ultimo nome del Mahatma e divenire indispensabile alla politica indiana.

Ritornando al Signor Barack Obama, la frase più incantevole del suo discorso fu: “In tutta la mia vita,…ho sempre tratto ispirazione dalla vita di Gandhi ji e dalla sua semplice e profonda lezione:ESSERE IL CAMBIAMENTO CHE CERCHIAMO NEL MONDO”. Un dettaglio apparentemente insignificante in questa frase è il suffisso “JI” dopo il nome di Gandhi. Riguarda il modo indiano di dimostrare rispetto nei confronti di una persona e il Signor Presidente lo ha incluso con cura. Il Signor Obama sorprese piacevolmente la riunione dicendo: “Non potrei stare davanti a voi oggi in veste di Presidente degli stati Uniti d’America, non fosse stato per Gandhi e per il messaggio che ispirò e condivise con l’America e il mondo”. Ed io, essendo una sostenitrice di Gandhi dura a morire, condivisi il suo affetto per il grande uomo che, 62 anni dopo la sua morte, è riuscito ad unire una giovane Parlamentare indiana addetta alla ricerca con il Presidente degli Stati Uniti d’America.

Pratishtha Kulshreshtha

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Venezia, 30 settembre 2010 – Arriva il momento tanto atteso dai professionisti della scena culturale nazionale: il Salone dei Beni e delle Attività Culturali e il Salone del Restauro si svolgeranno da giovedì 2 a sabato 4 dicembre 2010 al Venezia Terminal Passeggeri.

“bbcc Expo” e “Restaura”, organizzati da Veneziafiere e giunti rispettivamente alla quattordicesima e sesta edizione, si sono affermati negli anni come vetrina delle eccellenze nel settore cultura: un appuntamento imprescindibile per gli esperti del settore dei Beni Culturali e del restauro, che dopo il successo della scorsa edizione si sono dati nuovamente appuntamento a Venezia per lʼedizione 2010.

Lʼinnovazione e lʼinformazione nei settori Cultura, Beni Culturali, Restauro e Turismo Culturale – uniti ai quattordici anni di esperienza al servizio delle imprese del settore – rendono la città lagunare protagonista di uno dei focus più attesi nel calendario nazionale degli eventi del settore.

Per lʼedizione 2010, il Salone veneziano conferma le collaborazioni più riuscite degli scorsi anni. In particolare con Villaggio Globale International, che collabora allʼorganizzazione, e Maurizio Cecconi, amministratore delegato della medesima società, confermato direttore artistico del XIV bbcc Expo.
Ci sarà il Metadistretto Veneto dei Beni Culturali, con il proprio seguito di professionisti e aziende del settore, che negli anni ha saputo sempre coordinare un ricco programma di convegni allʼaltezza del pubblico di specialisti frequentatori del Salone.

Il 2010 è lʼanno in cui la manifestazione concretizza una significativa collaborazione con le Università veneziane Caʼ Foscari e Iuav, con le quali saranno allestiti eventi di alto livello nelle giornate del Salone.

Lʼappuntamento si rinnova con lʼundicesima edizione della Borsa del Turismo Culturale “Viaggiandum Est” che accoglie ogni anno più di 50 operatori della domanda turistica internazionale e oltre 150 operatori dellʼofferta turistica nazionale, proponendosi – anche nel 2010 – quale luogo ideale per un faccia a faccia senza mediatori tra operatori della domanda e dellʼofferta italiana ed estera.

Eʼ confermato lʼappuntamento anche questʼanno con il Premio alla Comunicazione, che vanta una tradizione nata nel 1998 e giunge oggi alla sua XII edizione. Il Salone, ancora una volta, punterà dunque sulla creatività e lʼinnovazione, lasciando la parola a quanti operano allʼinterno del mondo dei Beni Culturali per coltivare nuovi ragionamenti e teorie e per sviluppare nuovi espedienti e soluzioni allʼavanguardia.

Molte le istituzioni che supportano lʼiniziativa: la Presidenza del Consiglio dei Ministri, il Ministero per i Beni e le Attività Culturali, il Ministero degli Affari Esteri e il Ministero del Turismo, la Regione del Veneto, la Provincia e il Comune di Venezia, le Università veneziane IUAV e Caʼ Foscari, ENIT Agenzia Nazionale per il Turismo, ICE Istituto Nazionale per il Commercio Estero, ANCI Associazione Nazionale Comuni dʼItalia, UPI Unione Province dʼItalia, Camera di Commercio Industria Artigianato e Agricoltura di Venezia, Commissione Nazionale Italiana UNESCO, FAI Fondo Ambiente Italiano, Federturismo Confindustria, ICOMOS Consiglio Nazionale Italiano dei Monumenti e dei Siti, Federazione Regionale degli Ordini degli Ingegneri e degli Architetti del Veneto, Fondazione Musei Civici di Venezia, APT di Venezia, ASTOI Associazione Tour Operator.

Per maggiori informazioni

• www.bbccexpo.it
• www.restauraexpo.it

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Ogni generazione ha avuto i suoi bei problemi: la prima guerra mondiale, la seconda guerra mondiale, gli anni di piombo. La mia generazione, forse per noncuranza, forse per pigrizia, sta attraversando di soppiatto l’anticamera delle Storia italiana. Qualcuno dice che stia cercando di arrivare alla latrina, altri che stia tentando di guadagnare l’uscita posteriore. A me è venuto in mente di chiederlo in giro e mi è capitato di poter fare due chiacchiere con Giulia Innocenzi che a buon diritto fa parte della mia generazione, ma che tutto fa tranne che cercare di passare di soppiatto.

Personalmente quest’intervista mi ha lasciato con una certezza: non può esserci impegno senza un attivismo che lo legittimi (come nel caso di Giulia e del suo impegno trasversale); e con un dubbio: forse la nostra generazione può ancora dire qualcosa.

Evidentemente non tutti i giovani tentano di passare in sordina per guadagnare l’uscita posteriore, anzi, qualcuno entra sbattendo la porta e parla ad alta voce.

Buona lettura.

Riprendo una cosa che hai scritto sul tuo blog: “Sono stata cresciuta politicamente a fare tanti distinguo e a vedere i nemici più negli amici che in quelli dall’altra parte. Mi sono stufata, e ora ho voglia di divertirmi.” Non ti sembra che una delle differenze tra la generazione dei nostri padri e la nostra sia che loro avevano – forse anche fin troppo chiara – la distinzione tra “noi” e “voi”?

Sì, infatti. Ritengo che oggi non si faccia distinzione tra ciò che si possono banalmente chiamare “destra” e “sinistra”, “buoni” e “cattivi”. Nella classe politica non c’è scambio ideologico o politico.

Quello che volevo dire con la mia affermazione, fatta durante l’ultimo NoB Day, è che oggi si è portati a vedere il “nemico”, l’“avversario” in quelli che sono più vicini al tuo partito, alle tue idee, anziché negli avversari politici veri e propri. Il NoB day mi ha dato l’opportunità di rivedere alcuni degli stereotipi di cui anch’io ero vittima.

Ti abbiamo visto spesso ad Annozero dare voce ai giovani precari, tuttavia Annozero stesso si trova – praticamente ogni settimana – in una situazione di precarietà, con l’incertezza della puntale messa in onda della prossima puntata. Quanto è sintomatico della situazione del Paese, questo parallelo tra chi racconta e chi viene raccontato?

In realtà c’è un ulteriore elemento di precarietà: la redazione che lavora “a puntata”. Ritengo che la consapevolezza della realtà sia imprescindibile per poterla raccontare; Annozero racconta tutto questo ma il punto è che in Italia nessuno parla dei precari.

Le dichiarazioni del Presidente dell’Inps Antonio Mastropasqua (“Se dovessimo dare la simulazione della pensione ai parasubordinati rischieremmo un sommovimento sociale” ndr.) hanno fatto un casino su internet ma in televisione non se n’è parlato.

Credo ci sia un’idiosincrasia tra la realtà e l’immagine che se ne dà.

Altre voci che racconti sono quelle degli operai “cassaintegrati”, una situazione che va avanti in pratica dalla rivoluzione industriale. Oggi però la classe “operaia” parla da un gradino più alto rispetto alla classe “proletaria” che è diventata la generazione dei “call-center” e dei “contratti a progetto”. Che futuro vedi per la nostra generazione?

C’è una differenza sostanziale tra gli operai e i precari: i primi hanno consapevolezza di sé e portano avanti la rivendicazione dei loro diritti dal primo giorno di lavoro fino alla pensione, mentre i precari sono tali non solo nel lavoro ma anche nelle aspirazioni. Nei call-center lavora magari il laureato in comunicazione che attende un’occasione migliore e aspira ad altro e per questo non ha una coscienza di sé, non tende alla rivendicazione, non scende in piazza.

Annozero racconta entrambe le condizioni ma sicuramente è più difficile raccontare i precari.

Agli inizi del secolo l’Italia era un popolo di emigranti. Il boom economico ha frenato le migrazioni che però oggi stanno riprendendo con la differenza che non sono più “analfabeti” e “braccianti” a scappare ma pluri-laureati e professionisti. In questo modo non rischiamo di non avere le risorse intellettuali per sperare in una ripartenza?

Assolutamente sì. Prima gli emigranti erano una ricchezza perché partivano, lavoravano e poi mandavano soldi in Italia proprio come fanno gli immigrati rumeni o senegalesi. Oggi invece gli emigranti italiani si trovano a fare i conti con un Paese che ha finanziato la loro istruzione e a cui non possono dare risalto; partono e non si dà loro la possibilità di dare indietro al proprio Paese le opportunità che hanno avuto: il problema è anche di tipo economico.

Di questo sembra che non ci freghi poi molto, ma se non riusciamo a diventare un’attrattiva per i cervelli – anche stranieri, la cui percentuale in Italia è bassissima – se non riusciamo a valorizzare il merito piuttosto che il “clientelismo”, l’esodo sarà costante e io non vedo un grande futuro.

Nella puntata di Annozero del 21 Ottobre, ad un certo punto Concita De Gregorio ha chiesto “Potete chiederglielo voi che siete maschi di rispondere…”; quanto c’è di legittimo secondo te in questa provocazione?

Beh, intanto voglio ricordare il grande applauso che ne è scaturito. Nonostante non viviamo in un paese maschilista per le sue leggi o per una mancanza di eguaglianza di genere formale, il problema della discriminazione femminile è molto evidente in tre settori: politica, tv, economia. Soprattutto nel centro-destra, la selezione della classe dirigente avviene con criteri nebulosi, che riguardano quindi anche le donne, molte delle quali non provengono da un vissuto di militanza o da competenze professionali preziose per la politica, bensì da tutt’altri percorsi.

In televisione, invece, da una parte c’è l’uomo/conduttore vestito di tutto punto, mentre al suo fianco la soubrette, qualunque sia la stagione, è sempre mezza nuda. Infine, l’occupazione femminile non arriva neanche al 50%, con gravi danni per la loro affermazione nella nostra società.

La soluzione deve partire dall’alto con politiche tese a selezionare in maniera democratica e trasparente la classe dirigente, a riequilibrare l’immagine della donna in tv, e con incentivi al lavoro femminile, come per esempio gli asili.

Sul tuo blog su “ilfattoquotidiano.it” scrivi: “Vivo in un mondo in cui tette e culi delle veline sono servite ai pasti e la prostituzione in politica è stata dichiarata legittima”. Ma questo, secondo te, è il risultato di profondo maschilismo o della mancanza di un vero femminismo nella nostra società?

La responsabilità è della classe dirigente che insegna a una quattordicenne che il successo facile si può ottenere facendo la velina. La responsabilità della ragazza in questione è minima, perché lei semplicemente recepisce il modello che le viene offerto.

Per me una velina può anche andare in giro nuda, il problema è chi vuole imporre quel modello a tutti, chi ritiene il potere roba sua, che blocca l’informazione e che crede che il corpo femminile debba essere posseduto.

Hai seguito la vicenda di Sakineh. Ora, secondo te, non c’è stata una sorta di strumentalizzazione mediatica della sua figura, sia da una parte che dall’altra?

Non credo ci sia stata una strumentalizzazione. Se Sakineh è ancora viva è grazie – oltre che al fratello e al suo avvocato che per questo sono stati arrestati, probabilmente torturati e non si sa che fine faranno -  all’interessamento di una ONG che ha tirato fuori il caso e che è riuscita a rompere il muro dell’indifferenza dell’opinione pubblica. In questo frangente ben venga il caso mediatico, anzi, bisogna ringraziare che lo si sia fatto uscire.

Avaaz.org, con cui lavoro, ha recentemente lanciato un appello chiedendo agli utenti di inviare la richiesta ai leader mondiali di fermare l’esecuzione di Sakineh, e abbiamo raggiunto quasi un milione di messaggi: questo genere di azioni fa sì che un governo come l’Iran si preoccupi dell’opinione pubblica e della pressione esercitata dai leader, ed eventualmente riveda le sue politiche contro i diritti umani.

D’altra parte, però, occorre ricordare il caso di Teresa Lewis, la donna con ritardo mentale che è stata recentemente giustiziata negli Stati Uniti: io non guardo in faccia a nessuno e credo nella lotta per i diritti umani in tutti gli Stati, anche e a maggior ragione in quelli in cui vige un governo democratico; sono contro ogni pena capitale, ovunque.

Se non è stata fatta una campagna simile per Teresa Lewis, non vuol dire che bisogna lasciar morire Sakineh.

Bisogna combattere contro la pena di morte in tutto il mondo.

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Occhiello: Bisogna “vedere l’architettura come l’arte che aiuta a costruire la res publica”

Paolo Baratta
Presidente della Biennale di Venezia

In mostra alla 12° Biennale di Architettura di Venezia, la volontà di analizzare la complessità dei rapporti interpersonali nello spazio in cui si manifestano.

Greg Girard recita “demolizione come costruzione”, Derrida ispira un’architettura decostruzionista per intervenire sul senso dell’abitare e su come un edificio possa seguire un fine differente a quello di essere significante per se stesso, Kazuyo Sejima analizza lo spazio sociale come incapsulamento fisico di uno stile di vita in continua evoluzione.

Capire che architettura è arte e filosofia, ripensare all’ideale non più come fine assoluto astratto ma imitare la natura, seguirne le forme ed adattarsi creando spazi compatibili alla morfologia del territorio ed alle esigenze di una società ispirata alla preservazione ed al progresso. L’intuizione sensibile è amplificata per permettere una consapevolezza del percorso cognitivo dell’individuo, puntando a strutture che diventano centri nevralgici di comunione e scambio: non più una concezione individualista della persona ma uno studio sulla collettività e sul prodotto della stessa. Tutto questo è: “People meet in architecture”.

L’architettura costruisce ed imprigiona, crea mondi all’interno di spazi già delineati, fornisce una realtà parallela nella quale l’individuo si rifugia per ricalibrare il proprio raggio d’azione. Questi i concetti dai quali Sejima si discosta, decisa a procedere seguendo una visione utilitaristica: l’architettura è posta al servizio della collettività. Non è un’esposizione di denuncia, ma di proposta, una richiesta di collaborazione dove non c’è gara ma interazione funzionale al servizio dell’utente finale.

Il giudizio estetico sulle opere esposte permane, ponendo la rappresentazione dell’oggetto in rapporto non allo stesso bensì all’immaginazione dell’individuo fruitore ed al sentimento di piacere in esso scaturente. Kant parla di un giudizio privo di conoscenza ma puramente emozionale, portando il ragionamento ad un piano totalmente soggettivo. In questo caso, la pretesa di validità universale dell’architettura si amplifica, in quanto si considera essa stessa come strumento di soluzione per aiutare il progresso ed il benessere sociale, valutando erroneamente che tale universalità non poggia su basi oggettive. L’intento del Direttore della Biennale di quest’edizione è stato quello di incanalare verso un’unica direzione i sentimenti di oggettivo e soggettivo, portando ad un prodotto finale non puramente dottrinale e tecnico ma emozionale.

Spesso si alternano schemi in cui è importante il fine, ad altri in cui è significativo il come si raggiunge tale obiettivo. Quest’anno il percorso espositivo non tralascia né l’uno né l’altro, cercando un dialogo tra le differenti componenti ed esigenze dell’agire umano. La domanda rivolta all’edizione 2012 sarà forse quella di fare un bilancio delle proposte presentate quest’anno, per verificare se, effettivamente, l’auspicio si sia tradotto in solida realtà.

Per un elenco completo dei partecipanti, rimando al link del sito ufficiale della Biennale di Venezia: http://www.labiennale.org/it/architettura/index.html

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• 20 agosto 2010 -- Alberto Mesirca (1)

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di Mario Sasso
Primo art-director della RAI-TV, pittore, video artista

Superare  la cornice del monitor, sconfinare il rettangolo luminoso dello schermo televisivo, proiettare, è una pratica che sin dagli inizi della videoarte affianca la tradizionale trasmissione del video su dispositivo elettronico (mezzo privilegiato per la iniziale indubbia superiore qualità dell’immagine). Ma l’evanescenza dell’immagine proiettata su una superficie ha una storia ben più lunga di quella trasmessa su monitor: nasce con il cinema e da subito si confronta con la tradizione del grande schermo.

In realtà, il procedimento tecnico che sta alla base della proiezione video è differente dalla proiezione cinematografica: in quest’ultimo caso la fonte di luce attraversa la pellicola e ne proietta l’ingrandimento sullo schermo; nel primo caso, invece, il segnale elettronico viene codificato e trasportato su un campo di visione più largo: da qui i problemi di sgranatura e poca brillantezza cromatica, risolti in parte con i proiettori odierni, ma che rendono la videoproiezione cosa altra dal cinema.

Foot Print

Oltre che di tipo elettronico, le differenze col cinema sono anche di tipo formale, estetico, contenutistico. La videoproiezione è un dispositivo estremamente flessibile, che permette di dimensionare l’immagine a piacimento e superare i limiti imposti dalla rigida frontalità del cinema. Si può proiettare su materiali svariati (tela, plastica, sabbia, acqua ecc…), su superfici non necessariamente piane e ortogonali: la forza della proiezione risiede nella sua versatilità di posizionamento, nella sua capacità di arricchire il senso veicolato dal video inserendolo in una collocazione che sia in linea con la sua poetica.

Nella antologica di Sassoferrato Foot Print (spiegare in poche parole in cosa consiste il video) è stato proiettato sulla volta a crociera dello spazio espositivo, così da allontanare il più possibile uno scontato effetto cinema, distruggerne le dimensioni regolari, dissolvendo l’immagine in uno spazio tridimensionale (quello della volta) e tenendola sospesa.

Visionica

Sospese sono anche le riprese della Terra vista dal satellite: al Lingotto di Torino, Visionica è stato invece proiettato sul pavimento, dato che intento del lavoro era lastricare lo spazio calpestabile in modo da suscitare reazioni nello spettatore che vi camminava sopra.

Monitor e proiezioni coesistono ne La stanza di Vertov (foto grande in apertura), invertendo concettualmente i contenuti dei due dispositivi: i monitor trasmettono l’uomo con la macchina da presa, capolavoro del cinema di tutti i tempi, mentre lo schermo retrostante è popolato dalle ombre di figurine in miniatura,, chiaro riferimento alla folla metropolitana che di norma invade il piccolo schermo. L’uso di proiettori volutamente rumorosi accentua la messa a nudo del dispositivo tecnico, un meta discorso sull’arte e sulle sue tecniche. In omaggio a Leopardi, la proiezione del ritratto del poeta su un supporto circolare e sospeso evoca una luna velata e nostalgica.

Con i dispositivi di proiezione il video esplode contaminando lo spazio e chi lo abita. Già Ejzenstein, nei primi anni ’30, riflette sulla possibilità di usare schermi di dimensioni differenti da quelli standard, proponendo il formato quadro, l’estensione dello schermo, collegando il discorso del supporto a quello della comunicazione e del montaggio dell’opera filmica.

Negli anni ’60 il cinema sperimentale demonizza i luoghi tradizionali del cinema, moltiplicando le proiezioni, i supporti, i materiali e gli spazi.

I dispositivi visibili…

L’attuale panorama dell’arte contemporanea mette in scena proposte installative che utilizzano in svariati modi i dispositivi di proiezione: dalla messa in vista delle tecnologie all’occultamento delle stesse. I proiettori di oggi hanno una qualità di immagine nettamente superiore, oltre che dimensioni ridotte e design che permettono di integrare il dispositivo tecnologico nello spazio installativo. Inoltre possiedono degli accorgimenti che permettono di orientarli evitando la distorsione dell’immagine.

Esistono tre diversi tipi di proiettori, corrispondenti ad altrettante tecnologie.

• CRT (a tubi catodici)

• LCD (a cristalli liquidi)

• DLP (digitali a microspecchi)

I modelli tritubo (uno per ogni colore della ormai famosa triade RGB) CRT proiettano immagini aventi le medesime caratteristiche di quelle dei tradizionali televisori. I limiti principali delle immagini di un CRT sono la visibilità della struttura in linee e la scarsa visibilità.

Le tecnologie LCD e DLP superano tutti i limiti della flessibilità dei CRT e sono inoltre sistemi a pixel fissi, il che garantisce la generazione di immagini geometricamente perfette, a differenza dei CRT che sono soggetti a distorsioni di varia natura, anche dovute a campi magnetici esterni.

… e quelli nascosti.

La tendenza opposta nasconde i proiettori, privilegiando gli elementi estetici della proiezione. La leggerezza è forse l’elemento estetico più interessante e percepibile: le trasparenze, la bidimensionalità, i colori tenui ma provenienti da una tavolozza digitale, sono fascinazioni dello sguardo prima che strumenti di comunicazione.

E del resto la leggerezza è l’aspetto più affascinante dell’epoca digitale. L’evoluzione tecnologica ha mutato in senso oggettivo e soggettivo la nostra sensorialità: con supporti sempre più labili, quasi inesistenti, con immagini evanescenti, come fantasmagorie.

C’è di più: la necessità di alleggerirci, di svuotarci, quasi di volare appartiene più che mai al nostro tempo, denso di informazione e azione, e la funzione catartica dell’arte diviene il sollievo di menti stanche, appesantite. La totale assenza di peso traccia i percorsi stilistici dell’arte digitale, influenzandone toni di colore e giochi di forme. Le pellicole cromatiche sono strati immateriali che si sovrappongono per donare essenza a opere altrettanto leggere e impalpabili. Il ricorso a temi che evocano la leggerezza, la trasparenza, l’etereo interpreta l’effettivo passaggio a una fase di smaterializzazione dell’arte come dell’informazione: dagli atomi al bit, dal qui ed ora all’ubiquità, dai pigmenti colorati alla tavolozza virtuale.

È evidente quindi che lo scenario artistico si avvicina sempre più a quello della comunicazione, che ne ha mutato valori e priorità, delineando categorie sino a ieri improponibili per l’arte (come la mancanza di dimensioni e supporto dell’opera e accantonandone altre ormai cadute in disuso.

Mario Sasso
www.mariosasso.net

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